Петербург - начало. Москва - золотой век

Фото: ivabalk / pixabay.com

Традиции русского искусства были заложены Академией художеств в городе на Неве, а развиты уже в столице.

В этом году - 260 лет первому высшему учебному заведению для художников - Императорской Академии художеств. Это была новаторская школа, которую закончили выдающиеся русские мастера. Их работы хранятся во всех главных галереях мира, в том числе и в Москве.

Александр Иванов. «Явление Христа народу» (1837-1857)

Где: Государственная Третьяковская галерея. Лаврушинский пер., д. 10.

На свою самую знаменитую картину художник потратил 20 лет жизни! Полотно считается одним из самых масштабных в мире - его высота составляет 5,4 м, ширина - 7,5 м. Работа выставлена в специально выстроенном для неё павильоне Третьяков­ской галереи. Иванов писал картину в Италии, для её создания он выполнил порядка 600 этюдов, набросков, портретов и пейзажей! Это были 20 лет напряжённой работы и непрекращающихся поисков. Только в 1857 г. живописец решился показать свой шедевр в России. Весь высший свет был взбудоражен и мечтал посмотреть на картину.

Полотно стало поистине роковым в судьбе художника. Он не прожил и года по возращении в Россию - 15 июля 1858 г. Александр Иванов скончался от холеры.

После смерти мастера «Явление Христа народу» у Академии художеств выкупил император Александр II за 15 тыс. руб. - доход художника средней руки за несколько лет...

Фото: Public Domain

Василий Тропинин. «Девушка с горшком роз» (1850)

Где: Музей Тропинина и московских художников его времени, Щетининский пер., д. 10, с. 1.

Василий Тропинин - выдающийся русский живописец. Родился в семье крепостного в Новгородской губернии. Многим знакомы его работы - «Кружевница», «Гитарист», а также знаменитый портрет Пушкина. Всего им  создано около 3 тыс. портретов. Девушка с горшком роз - служанка, которая прибирает дом. Но сколько в ней грации и игривости! Мастер писал картину, когда ему было уже за 70.

Фото: Public Domain

Виктор Васнецов. «Царевна Несмеяна» (1914-1924)

Где: Дом-музей Васнецова. Пер. Васнецова, д. 13.

Картины Виктора Михайловича известны каждому с детства. В своём творчест­ве знаменитый живописец немалую часть отводит созданию сказочных сюжетов. Все помнят его картины «Витязь на распутье», «Алёнушка», «Иван-Царевич на Сером Волке».

Ещё больше о жизни и творчестве художника можно узнать в его доме-музее. Здесь он жил с 1894 г. вплоть до смерти в 1926 г. Здание музея является настоящим памятником архитектуры. Интересно, что дом построен по эскизам и рисункам самого Васнецова.

Сегодня здесь хранятся 24 тыс. экспонатов - предметы быта, фотографии, документы и, конечно же, работы художника. Так, в мастерской можно увидеть картины серии «Поэма семи сказок». Первая из них - «Царевна Несмеяна», ярко изображающая не только известный сказочный сюжет, но и быт людей, нравы русского народа. Другие картины серии - «Царевна-Лягушка», «Ковёр-самолёт», «Баба-Яга», «Спящая царевна», «Сивка-Бурка» и «Кащей Бессмертный».

Фото: Public Domain

Николай Сверчков. «Пара с пристяжкой. Орловские рысаки» (1852)

Где: Научно-художественный музей коневодства. Ул. Тимирязевская, д. 44.

Основу фондов музея составляет художест­венная коллекция крупного знатока орловской рысистой породы лошадей Якова Бутовича - владельца конного завода в Тульской обл. Это уникальное собрание произведений искусства, изображающих лошадей, - всего более 3 тыс. живописных, графических и скульптурных работ русских и иностранных художников. В музее можно увидеть картины Врубеля, Поленова, Сурикова, Клодта. Особенно богато представлено творчество анималиста Николая Сверчкова. В XIX в. он был широко известен не только в России, но и в Европе, с успехом выставлял свои полотна на выставках в Париже, Брюсселе, Лондоне. На его полотне «Пара с пристяжкой. Орловские рысаки» на заднем плане видно здание, похожее на Большой театр. На самом деле это одноимённый театр Петербурга, разобранный в 1886 г.

Фото: Public Domain

Николай Рерих. «Святогор» (1938)

Где: Государственный музей Востока. Никитский бул., д. 12 а.

Николай Рерих - одна из самых загадочных фигур XX в. Художник, учёный, археолог, философ-мистик, духовный учитель, он провёл в путешествиях всю свою жизнь и создал около 7 тыс. картин. Картина «Святогор» написана им незадолго до начала Второй мировой войны. Рерих предчувствовал надвигающуюся катастрофу и создал в тот период целую серию работ, объединённых героической темой. Богатырь-мудрец Святогор, спящий тысячелетиями, просыпается, по преданиям, в лихие для Отечества годы.

«Всякий, кто ополчится на народ русский, почувствует это на хребте своём. Не угроза, но так сказала тысячелетняя история народов», - писал Н. Рерих.

Фото: Public Domain

Михаил Врубель. «Демон сидящий» (1890)

Где: Государственная Третьяковская галерея. Лаврушинский пер., д. 10.

Картина является одной из 30 иллюстраций к юбилейному изданию сочинений Михаила Лермонтова. И большая часть работ художника относилась именно к поэме «Демон».

Как говорил сам художник, демона не понимают - его путают с чёртом или дьяволом. Тогда как он олицетворяет не нечистую силу, а вечную борьбу мятущегося человеческого духа, обуревающие его страсти, сомнения и познание жизни.

«Демон - дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всём этом дух властный, величавый», - писал Михаил Врубель о своей работе.

Образ демона часто встречается в творчест­ве художника.

Так, в 1899 г. он создал полотно «Демон летящий», где герой изображён как могучий властелин мира. А в 1902 г. закончил работу, изображающую его уже на грани гибели, «Демон поверженный».

Кстати, художника оценили лишь к закату его жизни. В 1880-1890-е гг. творческие искания Врубеля не находили поддержки Академии художеств и критиков искусства.

Фото: Public Domain

Иван Крамской. Портрет Л. Н. Толстого (1873)

Где: Государственная Третьяковская галерея. Лаврушинский пер., д. 10.

Это уникальная работа уже потому, что художник писал одновременно два портрета. Один хранится в Третьяковской галерее, другой - в Ясной Поляне.

Писателя уговаривали долго. Он тогда начинал работу над «Анной Карениной» и не хотел отвлекаться. Однако художник был так настойчив, что Лев Николаевич согласился, но с одним условием - портрет останется у него. Пришлось работать над двумя холстами.

Портрет писался около месяца. И всё время между двумя талантами шёл разговор о жизни и творчестве. А потом многое из этих совместных размышлений вошло в роман. Считается, что с Крамского отчасти списан образ художника Михайлова, сурового, правдивого, непреклонного.

Иван Николаевич родился в Воронежской губернии. Попал в историю ещё студентом-выпускником. Он - один из 14 молодых художников, которые отказались участвовать в конкурсе Академии художеств. Суть его была в том, что надо рисовать на заданную тему, а юным мастерам хотелось писать, как они разумеют. Этот демарш в историю русского искусства вошёл как «бунт четырнадцати». Сначала они объединились в артель художников, а затем вошли в товарищест­во передвижников.

Иван Николаевич придерживался принципов реализма, правды в искусстве, этим он был схож с Львом Николаевичем. Впрочем, это не единст­венный портрет знаменитого писателя кисти Крамского. Он автор портретов Салтыкова-Щедрина и Некрасова.

Фото: Public Domain

Валентин Серов. «Пётр I» (1907)

Где: Государственная Третьяковская галерея. Лаврушинский пер., д. 10.

Валентин Серов известен прежде всего как выдающийся мастер портрета. Тем интереснее его работа «Пётр I», относящая­ся к жанровой живописи. Эту картину художнику заказало одно издательство в 1907 г. Серов с готовностью согласился, поскольку историческая фигура первого россий­ского императора давно не давала покоя мастеру. Для того чтобы изобразить правителя не мифической, а реальной личностью, Серов потратил массу времени в архивах и библиотеках, изучая характер государя. Современники вспоминали, что художник очень терзался, ведь погружение в историю Петра открыло ему глаза не только на положительные черты императора. Выяснил он и то, что царь был далеко не статным красавцем, каким его принято было изображать, а человеком нескладным, очень высоким, с некрасивым лицом. Серов даже сделал несколько зарисовок в разных ракурсах с посмертной маски Петра, хранящейся в Эрмитаже. Сегодня картина «Пётр I» считается феноменом воссоздания абсолютной реалистичности, эталоном художественной правды.

Фото: Public Domain

Академия нового типа

Илья Доронченков, профессор Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина:

- Императорская Академия художеств, учреждённая в 1757 г. в Санкт-Петербурге, базировалась на принципах образования, которые начали формироваться в XVI столетии в Италии и окончательно определились к середине XVII в. во Франции. Они коренным образом отличались от тех, что существовали долгое время до этого. Раньше будущий художник подростком поступал в услужение к мастеру, носил ему еду из кухни, растирал краски и понемногу обучался искусству живописи. Пример мастера был главным средством обучения.
Позже была выработана система, при которой не один, а несколько преподавателей разделяют между собой области профессионального мастерст­ва и обучают молодых людей разным предметам: анатомии, перспективе, композиции, рисунку. Ещё одно ключевое достижение нововведения - человек у мольберта перестаёт быть ремесленником, он становится уважаемым профессионалом, занимающимся интеллектуальным трудом.

В России художник лишь к концу XVIII в. постепенно вырастает в социальную фигуру, способную создавать вещи, вызывающие общественный интерес. Поворотной точкой здесь стало «идеальное» академическое полотно - «Последний день Помпеи» Карла Брюллова. И важнейшая роль академии именно в том, что она сформировала профессиональную среду художников. Они, собственно, и сделали русское искусство, которым мы сегодня гордимся.

Однако помимо светлой у академии есть и тёмная сторона. И заключается она в том, что по сути это конвейер, машина по производству художников, с трудом смиряющаяся с чем-то выходящим за её рамки. Академия учила «великому, вечному, прекрасному», неизменяемым критериям красоты. Что, увы, со временем всё дальше уводило её от современности.

В этом смысле выгодно отличалось Московское училище живописи, ваяния и зодчества, которое хоть и базировалось на той же модели, но было более свободным во многих отношениях. И именно поэтому училище можно назвать одной из колыбелей русского авангарда, ставшего неотъемлемой частью мировой культуры.